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Il panorama dello streaming si arricchisce con un progetto che vuole scuotere l’immaginario collettivo: La Sobrietà, firmato da Carlo Fenizi, entra nel catalogo di prime video a partire dal 27 aprile. L’opera si presenta come un ibrido tra mockumentary e commedia nera, concepita per mettere a disagio il pubblico e confrontarlo con le contraddizioni del dietro le quinte. Questo film non è un racconto lineare: gioca deliberatamente con la forma e spinge gli interpreti verso l’eccesso per rivelare dinamiche di potere e vanità.
Al centro della storia troviamo un regista frustrato, una guru degli attori dal metodo discutibile e una troupe pronta a tutto pur di emergere. La sceneggiatura costruisce un clima in cui il documentarista e i soggetti indagati si sovrappongono, fino a rendere indistinguibile chi osserva e chi è osservato. La scelta stilistica di Fenizi si basa su un contrasto continuo tra realismo apparente e teatralità esasperata, invitando lo spettatore a decodificare ogni finzione come potenziale verità.
Trama e dispositivi narrativi
La vicenda segue Rodrigo, un regista interpretato da Michele Venitucci, e il suo tentativo di smascherare un controverso corso di recitazione guidato da Kimba, figura carismatica e manipolatoria. Il progetto nasce come documentario investigativo ma si trasforma presto in un gioco di specchi: la macchina da presa registra esibizioni, confessioni e sbalzi d’ego, mentre la verità si frammenta. Il film usa il finto documentario come strumento per svelare ipocrisie, mostrando quanto spesso il palcoscenico sia teatro anche nella vita privata dei protagonisti.
Il regista e l’idea di smascheramento
Fenizi costruisce il racconto a partire dalla propria esperienza nel settore, adottando una prospettiva autobiografica riconoscibile ma rielaborata in chiave grottesca. La macchina narrativa esibisce una volontà metacinematografica: non solo si raccontano fatti, ma si mette in scena il tentativo stesso di raccontarli. Questo approccio genera tensione tra il desiderio di verità e la tentazione della messa in scena, dando vita a sequenze che oscillano tra il grottesco e l’amaro.
Cast e ritorni che colpiscono
Tra i punti di forza del film c’è il casting, che mescola nomi celebri e figure inedite: accanto a Michele Venitucci emergono i ritorni al cinema italiano di Amanda Lear e la partecipazione sorprendente di Carmen Russo. Il direttore di scena popola la pellicola con caratteri eccentrici come Montevergine Brando e Mela Kongakis, contribuendo a un equilibrio tra personaggi simbolici e volti familiari. La presenza di guest noti amplifica l’effetto di specchio tra realtà e finzione, poiché attori riconoscibili vengono inseriti in contesti volutamente estranianti.
I ruoli e la dinamica tra interpreti
Antonia San Juan figura tra i nomi più significativi, portando la sua esperienza in un ruolo che richiama il registro almodovariano ma riletto in chiave satirica. Ogni interprete è chiamato a superare la propria immagine pubblica per entrare in un gioco di maschere: così la fama diventa materiale drammaturgico. Il contrasto tra la teatralità dei personaggi e la pretesa di autenticità del formato rafforza il messaggio del film sulla costruzione dell’identità nello spettacolo.
Estetica, temi e dichiarazioni registiche
Nelle note di regia Fenizi definisce il progetto come un manifesto personale, dall’estetica che rifiuta il minimalismo a favore di un immaginario colorato e volutamente artificiale, descritto dall’autore come pugliesità e tropicalismo. Questa combinazione crea un effetto camp che enfatizza il ridicolo e l’eccesso, strumenti con cui il film analizza la manipolazione e la costruzione sociale della riuscita artistica. Il regista ribadisce che il titolo è intenzionalmente contraddittorio: la parola sobrietà diventa ironica di fronte all’abbondanza di performance e pose.
La struttura frammentata della narrazione, con incursioni verso il noir e momenti di rottura del linguaggio documentaristico, promette un’esperienza visiva e concettuale che punta alla provocazione e alla catarsi. La Sobrietà si propone come una critica vivida al mondo dello spettacolo, interrogandosi su quanto l’apparenza domini le scelte artistiche e sociali. Per il pubblico rimane la sfida di discernere dove finisce la messa in scena e dove inizia la realtà.